Trust Company-The Lonely Position of Neutral (2002)

Que sería escuchar al cantante de Silversun Pickups haciendo un cover de los Linkin Park, pero sin la intervención de Mike Shinoda. El resultado se ACERCARÍA a como suena Trust Company. Lo sé, la analogía tal vez no es correcta del todo; pero estas bandas "post-2000" han salido un poco de la tendencia de los THE...

NÜ METAL. Ese es el nuevo apelativo que se acerca al grunge y al hard rock de mediados del siglo XX. En concreto, este primer disco de Trust Company fue un éxito, al menos en el terreno "submusical" peruano. El tema de apertura Downfall llegó a sonar en doble nueve y se convirtió en la número uno del año 2002.

No sé como describirlo, pero sé como se siente al escucharlo. Cada canción es como estar en un día soleado y con viento. Sí, algo así como una tonta tarde fría de verano, como la canción de Campo de Almas. Si el disco fuera un hombre, sería como el frontman, Kevin: delgado, alto, el que usa ropas anchas y que se pone una pulserita en una de sus muñecas. El típico chico del 2000.

Calificación: 7/10.

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Damnation: calma, oscuridad, congoja e hipnotismo

Cuando el hombre es movido por las cosas hacia la tranquilidad se instala en un estado de pasividad, surge una atención evidente hacia los objetos que lo rodean y empieza a contemplarlos y descubrirlos de una forma distinta puesto que parte de la calma. La música puede conferirnos eso actuando como un estimulante constrictor que nos ciñe a cierto grado de armonía mental, los sonidos son capaces de hacer que podamos reposar de los roces de nuestro andar diario. En este sentido, Opeth nos revela el Damnation como su otra faceta. Yo veo este material discográfico como un tranquilizante con fuertes dosis de oscuridad y subliminalmente hipnotizador.

Nos es costumbre que Opeth nos presente discos de rock progresivo con toques pesados de death metal, canciones llenas de furia destiempada medieval de una composición digna de elogiar. Es un hecho que Mikael Åkerfeldt, vocalista y compositor principal de esta banda sueca formada en 1990, fue dotado con el genio musical de la composición. En este disco se aleja de todo los estallidos precedentes y habitualmente construidos y se vuelca rotundamente a la más sencilla -por decir humilde- manera de dibujar sus visiones musicales para otorgarle a la calma un objeto digno de su alcance.

Al oír las canciones nos es familiar reconocer los arpeggios clásicos de Opeth, pero a medida que los segundos corren podemos apreciar como las guitarras distorsianadas han sido desterradas, los guturales estruendosos de Mikael han sido exiliados y los destiempos parecen haber sido tragados por la tierra de la ciudad de la luna (significado de Opeth sin ninguna intención de antemano cuando quedó como nombre de la banda). Y, en cambio, se adhieren strings como fondo de las guitarras acústicas y limpias, ayudando a tejer esa manta de oscuridad que envuelve al disco. En vez de los destiempos, se recurre a ritmos simples de batería que guían a un bajo que marca perfectamente los toques de bombo. Por su parte, la voz se muestra depurada, es decir limpia, y presenta muchas voces grabadas superpuestas que logran un aire de armonía vocal con un fuerte sesgo hacia lo parco.

Los punteos de guitarra merecen mención aparte. Los solos son humanamente emotivas, están llenas de estimulación emocional, tanto que llegan a adentrarse tanto en el oyente que se puede sentir los solos como expresión de nuestros lamentos.

Este disco nos permite expresar, a través de la música y lírica que vierte, nuestros sentimientos de tristeza y congoja; sin embargo, es curioso como al final no queda la sensación de desesperanza o pena, sino mas bien termina como empieza, concediendo tranquilidad. El mensaje es claro, después de la tormenta viene la calma.

Si bien es cierto, presiento calma, oscuridad y congoja en el Damnation, hay un punto imprescindeble, un factor clave que hace a este material especial. Más allá del cambio facético de Opeth, se encuentra el perno hipnotizador de toda la maquinaria detrás de la maravillosa composición musical. Existe un hiponotismo que emana de las 8 canciones, un "algo" cautivante, una forma de control mental al que inocente e inconscientemente somos expuestos y que nos atrapa hasta el último segundo de música. ¿En qué residirá este hecho atrayente? Estoy seguro que tiene que ver con la tranquilidad que se instala desde un inicio con "Windowpane", ya que para poder ser hipnotizados hay que estar calmados y con la mente en descanzo, lo que no quiere decir que dejemos de pensar porque uno nunca deja de pensar hasta que fallece.

Las letras que proceden de los temas se refieren acerca de la soledad, desesperanza y tristeza por la partida de alguien amado. Pero no hay que dejar que esto nos cegue del verdadero propósito de sentirnos acongojados. La intención no es desesperanzarnos como aparentemente parezca, en realidad, me parece claro que la procesión es necesaria, no obstante nunca será definitoria. El Damnation no quiere que nos sumerjamos en la pena enterna, su verdadero fin es tranquilazarnos dejando de lado las letras de dolor, que aunque pueda parecer difícil, solo la familiaridad con este disco nos revelará el fin que verdaderamente posee.

"Windowpane", "In my time of need", "Death whispered a lubally", "Closure", "Hope leaves", "To ride the disease", "Endindg credits" y "Weakness" son los temas que siguiendo la misma temática arrojan los cuatro componentes que servilmente me he dignado a detectar: la calma, la oscuridad, la congoja y el hipnotismo. Y si hay alguna canción que tenga que destacar sería "In my time of need" y "Endig credits"; la primera causa en mí algo especial, debe ser la melodía vocal, sobretodo la de la estrofa, simplemente hipnótico; y la segunda, que es instrumental tiene en el punteo de guitarra escrita la calma, y porque no, la esperanza que irónicamente pueda presenciarse en el Damnation.

Aquí, IN MY TIME OF NEED:

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Jerry Cantrell - Degradation Trip Vol 1 & 2 (2002)

Degradation Trip (versión extendida en dos volúmenes) deriva de un disco anterior que tiene el mismo nombre y dedicado al extraordinario cantante de Alice In Chains, fallecido en el 2002: Layne Thomas Staley.

En un primer momento, este disco se torna algo exhaustivo (dura casi dos horas y veinte minutos) , puesto que son veinticinco pistas que más o menos siguen la misma línea, sin embargo (y como también suele pasar con Alice In Chains) puede tornarse agradable al escucharlo repetidas veces.

Cantrell es un gran guitarrista, y esto es lo que sobresale en cada una de estas canciones con aires grunge, hardcore y metal; muy apegados al estilo de Black Sabath. Llama la atención la participación de Robert Trujillo (Metallica) en el bajo, y el baterista Mike Bordin (Faith No More)

Este largo y extraño viaje comienza con Psychotic Break, una canción con riffs pesados parecidos a la siguiente canción Bargain Bassement Howard Hughes, esta última basada en la relación amical entre Jerry y Layne.

3) OWNED, Breaking, sell the kids my soul. Tiene que ver con el peso de la fama y la construcción de la misma.

4) ANGEL EYES. Your face is all I see/ Agonize/ Forever haunting me...

5) SOLITUDE. There's no flesh, my own ghost awaits. Unclean, defiled, hallucinatory state. Lust, sloth, not my only sins...It's just how, when it's time, on a degradation trip...yeah...

Cuando le preguntaron en una entrevista cómo hacía para hacer que canciones como Down in a hole, Sunshine o Solitude sean tan oscuras, Jerry respondió que no sabía cómo y por qué, sólo es el tipo de material que el suele hacer, tal vez algo más humano.

6) MOTHER'S SPINNING IN HER GRAVE (GLASS DICK JONES) Your need to be the dog.

Excelente combinacion de guitarras y bateria.

7) HELLBOUND. Black eat white.

Una de las canciones más pesadas.

8) SPIDERBITE. (Caine??)

9) PRO FALSE IDOL Vida de perros. Come Pray!

10) FEEL THE VOID. Otra de las tristonas, oh no,, a veces intoxica...

11) LOCKED ON. Maravillosa introducción de guitarra.

Locked on-what's the deal?

Faded rock star, push and needle

You don't know, well that's alright

You do your thing, I'll live my life

12) GONE. Tiene algunos toques country, digo, cruzar los pies y tener una espiga de trigo en la boca.

13) CASTAWAY. Es una de las pocas canciones en donde Jerry grita, aunque por ratos. Interesante.

14) CHEMICAL TRIBE. El título me recuerda a la canción Fear de Voices, en el sentido de mecionar a MESS UP GENERATION...

Generation turned a chemical tribe/ Don't really care if we live or die/ Generation turned a chemical tribe/Been sold out and it's no surprise

15) WHAT IT TAKES. Niños pequeños cantando...es una de esas canciones donde no hay que encontrarle sentido a las letras. Para qué!?

16) DYING INSIDE. Big house own, no boss fun, lucky fuck wish I was you ...Suena a Nickelback.

17) SIDDHARTHA. ¿Acaso tendra influencia de George Harrison? Puede ser, puesto que la idea de sacar un disco doble no fue ajena al All things Must Past del Beatle Silencioso.

(*) Siddhartha es una novela alegórica escrita por Hermann Hesse en 1922 tras la primera guerra mundial. La misma relata la vida de un hombre indio llamado Siddhartha en la época en que vivió el Buda. La obra ha sido considerada por el autor como un "poema hindú" y también, como la expresión esencial de su credo. Muy leída en Oriente como tal, y menos en el mundo occidental (Fuente: Wikipedia!)

18) HURTS DON'T IT?. Una de las mejores, al mismo estilo del WHALE AND WASP. Estribillos que nos hacen sentir un ambiente sombrío, nostálgico y agradable. Es parte de la escencia de este disco.

19) SHE WAS MY GIRL. Potente.

20) PIG CHARMER. Es innevitable pensar en Layne al escuchar esta canción. Entre broma y broma, esto es lo que resulta de un buen tiempo juntos en AIC. Disparate y medio.

And I say welcome to my sty

Throw my shoe, turn light out

Come on in, get high

Don't mind piss-filled bottles

Hack and cough, I write

Peppered walls I spit out

And my future looks bright...

21) ANGER RISING. La canción más exitosa.

22) S.O.S... I know you're my brother and I don't even know ya...

23) GIVE IT A NAME. Mi favorita. Buena intro, buenas letras, buen cambio de tonalidades, las guitarras son atrayentes.

Slowly all the roles we act out become our identity/And in the end we are what we pretend to be...

24) THANKS ANYWAY. for triying.

25) 31/32. Una de las bonitas. Es una canción despegada de los tonos heavy, que se acerca también al Country. Bonita historia, por cierto.

Para terminar, Degradation Trip Vol 1 & 2 siginifica , tonos relajantes, "guitar power" ... en fin ondulaciones musicales con sentido un poco más humano, como lo sugiere Cantrell.

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Ænima: hora de la purificación

"Tool es exactamente como suena: es un falo enorme. Es una llave inglesa... nosotros somos... tu herramienta; úsanos como los catalizadores del proceso de encontrar lo que sea que necesites, o lo que sea que estés buscando".

......................................................Maynard James Keenan

Hablar acerca de Tool es sin duda alguna todo un privilegio autoconcedido. Esta banda estado unidense de rock y metal progresivo que se formó a inicios de los años 90's en Los Ángeles, California es en mi opinión una de las mejores bandas -si no la mejor- que he tenido la suerte y la osadía de escuchar. Con Maynard James Keenan, líder y vocalista de la banda; Adam Jones, guitarrista; Danny Carey, baterista y Paul D' Amour, bajista(quien fuera luego sustituído en el 95 por Justin Chancellor, actual bajista) se logra dar origen a la herramienta que muchos seres humanos, como yo, hemos podido hacer nuestra.

Dentro de la maravillosa y sugerente discografía "tooleana"(si, lo pongo con esta palabra, ya que es lo que se merece una banda de culto como esta) quiero ilustrarles el Ænima, su tercera producción de estudio. Este disco, cuyo título descompuesto nos remite a dos palabras: 1) ánima, que en latín sifnifica alma y 2) enema, que significa estimulante fecal ; y que en conjunción se proponen a implicitar una limpieza del alma, plasma dicha limpieza en las 15 canciones que componen este material discográfico, iniciando con "Stinkfist" y terminando con "Third eye".

La musicalidad que se presenta en el Ænima evidencia una notable evolución en Tool, el sonido que erupciona del disco se cimienta sobre momentos de pasividad y de calma proporcionada por las melodías armoniosas de voz, arpeggios de guitarra con delay ambiental , un bajo subterráneo lleno de efectos, arreglos y cambios constantes y una marcación de batería realmente complicada; y fuertes segmentos de explosión, entre gritos, rasgueos distorsionados, zumbidos de ultratumba y poderosos redobles impresionantes. Altamente coordinados, los cuatro integrantes consiguen una perfecta acoplación dentro de los destiempos que se suscitan en cada canción, algo representativo de Tool. El destiempo pues, siempre fue uno de los sellos característicos de la banda y es para el oído humano realmente desconcertante cuando se escucha por primera vez. El no poder seguir el ritmo de cuatro cuartos, al que estamos por lo general acostumbrados a recibir de muchas otras bandas, hace de el Ænima, y en sí de todos los discos de Tool, no fáciles de digerir.

La espiritualidad y filosofía del cual esta constituído este trabajo, a través de la lírica de Maynard, ahonda temas como la evolución humana("46 & 2", "Ænema"), el psicoanálisis -a partir del dominio del incosciente-, la sobreexposición sensorial("Stinkfist"), la identificación y búsqueda del tercer ojo("Third eye"), la experimentación con drogas, e incluso una especie de diatriba a Jesús("Eulogy").

Ænima es un disco realmente interesante que te transporá, si es que eres digno, a través de un viaje estimulante a un mundo distinto, el mundo de Tool. Letra y música se amalgaman para crear una atmósfera particular que probarás ser capás de experimentarla positivamente.

No queda más que escuchar el disco y preparte para el viaje. (Acá el video del track #13, "Ænema", que nos habla acerca de que el sueño americano no debería, o mejor dicho no es a lo único que se debiera aspirar, que hay niveles elevados en la vida mucho más importantes de conquistar):

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NINE INCH NAILS - Pretty Hate Machine Demos (1988)

Hard to believe Pretty Hate Machine was released in the 80s. At least for me, but I'm old. Living in Ohio I was lucky enough to see the band in their early days and through many personnel changes. But NIN has always been Trent Reznor. These demos from November 1988 were recorded at The Right Track in Cleveland, OH, where legend has it, Trent was still a janitor at the time. These demos are much more ... synth and dance oriented, more in line with perhaps Depeche Mode than Ministry or some of the more abrassive bands on the industrial scene. Each song is different than what was eventually released - different vocals, mixes, lyrics, etc. Two tracks still remain unreleased. This has been bootlegged and is often referred to as Purest Feeling. Perfect sound.

(Anónimo)

Pretty Hate Machine también conocido y confundido con el nombre de Purest Feeling, es un disco diferente al resto de lo producido por Nine Inch Nails. De hecho, Trent Reznor se ha caracterizado por tener un estilo novedoso a lo largo de lo que va creando. Aunque cabe resaltar que esta onda electrónica - industrial (como le llaman) presente este disco, aún contiene resagos de los ochenta, los cuales casi terminarán con la aparición de dos nuevos temas: Head Like a Hole y Terrible Lie.

Buena voz, buen sonido, letras desgarradoras (se incluyen experiencias amorosas)
¿Mi calificación?: 8/10.

Básico:
Nine Inch Nails - PHM Demos. Descargalo aquí.
Personnel:
Trent Reznor
November 1988, Right Track Studio, Cleveland, Ohio

01. Intro
02. Sanctified
03. Maybe Just Once (unreleased)
04. The Only Time
05. Kinda I Want To
06. That's What I Get
07. Purest Feeling (unreleased)
08. Ringfinger
09. Down In It

Lee más sobre este Disco y Nine Inch Nails en buen post - Taringa.

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The Clash - Guns Of Brixton

Brixton es un área del barrio de Lambeth, en la zona sur de Londres, conformada en su mayoría por inmigrantes jamaiquinos de ascendencia africana. Dentro de este ambiente creció Paul Simonon quien fuera el bajista y uno de los miembros originales de The Clash. Simonon, recibió influencias de la cultura musical que se gestó en Brixton. Una de las canciones más reconocidas compuestas por Simonon es "Guns Of Brixton". Este tema es un bocadillo cargado de tonos reggae.

Los conflictos en Brixton en los años ochenta fueron los más turbulentos dentro de la historia de la comunidad afrodescendiente en Gran Bretaña. Policías y pobladores se enfrentaron, ambos con intereses contrapuestos y con todas las ganas de defenderlos. El problema de Brixton era y sigue siendo la delincuencia, criminalidad y pobreza. ¿Qué llevó a esta gente a migrar a Europa? ¿Acaso no fue la esperanza de encontrar una vida mejor? Es cómico.

En medio de todo esto, el legado de The Clash, clasificada como “the only band that matters", nos lleva a abrir los ojos hacia situaciones que hasta ahora no tienen solución. Eran casi los años ochenta y unos londinenses introducen nuevos ritmos dentro de un género que se creía impermeable…The Guns Of Brixton cae mejor con la siguiente producción: Sandinista! (1980)

"You can crush us. You can bruise us.

But you'll have to answer to. Oh, Guns Of Brixton"

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